Норман Рокуел
Ценителят
1961 | масло върху платно | частна колекция
Публикувано на 1 януари 2002 г.
В продължение на повече от 90 години се полагат съгласувани и безмилостни усилия да се
принизи, принизи и унищожи репутацията, имената и блясъкът на академичните
артистични майстори от края на 19 -ти век. Подхранвани от кооперативна преса,
управляващите сили държат глобалното изкуство в желязна хватка. По същия начин имаше
успешни усилия да се премахнат от нашите висши учебни заведения всички методи,
техники и знания как да се обучават квалифицирани художници. Пет века критични данни
бяха почти изхвърлени в кошчето. Невероятно е колко близо модернистичната теория,
подкрепена от огромна мрежа от мощни и влиятелни търговци на изкуство, е стигнала до
придобиването на пълен контрол над хиляди музеи, университетски художествени
департаменти и журналистическа критика на изкуството. Ние в Центърът за обновяване на
изкуството е анализирал изцяло и справедливо своите теории и ги е намерил да искат във
всяко отношение, лишени от същество и изградени върху лабиринт от лесно опровержими
заблуди, предположения и хипотези. Ако, уважаеми читателю, вече не сте един от техните
пропагандни
успехи, препоръчвам ви да продължите да четете. Въпреки всички шансове и
при най-лошия вид подигравки и лични и редакторски посегателства, само
малка шепа добре обучени художници успяха да останат верни на своите
вярвания. Тогава, подобно на героите, които са защитили няколко редки
ръкописа по време на инквизиционните изгаряния на книги в миналото, тези
20 -ти Световните герои на века на изкуството успяха да защитят и
запазят основните технически познания на западното изкуство. По някакъв
начин те успяха да обучат няколко десетки решителни ученици. Днес много
от тези бивши ученици са създали свои училища или ателиета и в момента
обучават още стотици. Това движение сега се разширява експоненциално. Те
възвръщат традициите от миналото, за да може изкуството отново да
продължи напред на стабилна основа. Ние се ангажираме по всякакъв
възможен начин да запишем, съхраним и увековечим това безценно знание.
Старателно разгадахме разбирането за това как и защо голямото традиционно изкуство
почти загина. В името на нашите деца, нашата култура и потомство, Центърът за
обновяване на изкуството е посветен на традиционното хуманистично изкуство, което е от
съществено значение за здравето и благосъстоянието на човечеството, и на критичен и
правдив анализ на модернистичния натиск, с който той беше почти консумирани.
Докато четете, ще виждате изображения на шедьоври на някои от онези художници, чиито
имена и изкуство са били толкова безжалостно злепоставени: Уилям Бугро , Джон Уилям
Уотърхаус , сър Лорънс Алма-Тадема , Леон Л'ермит , Джон Уилям Годуард , Едуард Коли
Бърн -Джоунс , Жул Джоузеф Тисо и Едуард Коли Бърн-Джоунс , лорд Фредерик Лейтън ,
наред с други. Всички гиганти в живота си, те бяха сред най-великите в историята, но преди
последната пета на ХХ век практически никъде не се преподаваше, анализираше или
излагаше никакво споменаване или знание за тяхната работа.
Ако сте изучавали история на изкуството по всяко време между 1945 и 1980 г., ви е било
казано, че има велики стари майстори, които са съществували от ранния Ренесанс до
времето на Дейвид , Констебъл и Търнър в началото на 1800-те. Тогава те научиха за Коро и
Курбе и предимпресионистите и след това накрая самите импресионисти, които са водили
пътя към модернизма. По-голямата част от периода от 1850 до 1910 г. е описан като ужасна
помийна яма на официалното изкуство, където дребни академични художници рисуват
глупави глупави картини, които се грижат само за техника, които са лишени от емоции и
които не разпознават гения на импресионистите. Може би един параграф за толкова дълго
време беше всичко, което прочетохте. Възможно е да са споменали лидерите на галерията
на този мошеник и така биха могли да кажат веднъж имената на Месоние , Бугро , Кабанел ,
Жером , Алма-Тадема , лорд Лейтън или Бърн-Джоунс , и никога не ви е показвал нито едно
от техните произведения. Ако наистина показаха нещо, това винаги беше лош пример.
Мисля, че всички знаем, че Рембранд и Рафаел са рисували и някои посредствени творби.
Периодът на историята на изкуството от 1850 до 1910 г. е хвърлен в почти неизвестност. Но
точно този период е дал едни от най-великите изкуства и художници в историята на
човечеството. Ще ви покажа хубави примери за това изкуство, защо е сред най-великите в
света, и ще обясня точно какво се е случило, че е причинило почти пълното му унищожение
от историята на изкуството, която се преподава през по-голямата част от 20 -ти Век. Това
беше период, когато 500 години натрупани знания, простиращи се от ранния Ренесанс до
наши дни, достигнаха своя абсолютен връх на развитие. Това беше време, когато техниките
и знанията за това как да се създаде голямо изкуство и да се предадат тези знания на
следващото поколение, беше в своя абсолютен зенит. Това беше време, когато работата и
потта на 30 предходни поколения предани художници постигнаха кодификация на методи,
стандарти и техники, които създадоха самия връх на това, което можеше да постигне
традиционното реалистично изкуство.
През последната половина на 19 -ти век имаше буквално десетки велики арт ателиета и
академии, превръщайки хиляди висококвалифицирани и завършени художници, рисуващи в
десетки различни стилове и по безброй различни теми. Най-добрите от най-добрите от тях
очевидно бяха сред най-големите гении в западната цивилизация. Невероятна ирония е, че
този най-велик от всички периоди е трябвало да стане най-очерненият. Мъже като Уилям
Адолф Бугро , Жан-Леон Жером , Жул Бретон , Жул Бастиен-Лепаж , Жан Франсоа Милет ,
Жехан Жорж Вибер , Едуард Бърн Джоунс , Фредрик Лорд Лейтън , Едуард Пойнтер , сър
Лорънс Алма-Тадема , Джон Уилям Уотърхаус , Леон Л'ермит , сър Франк Дики , сър Джон
Еверет Миле , Александър Кабанел и Жул Лефевр . Тези имена, много от които може да са
нови за вас, бяха познати от познавачите през 1890-те години като Сезан, Пикасо, Матис, де
Кунинг, Джаксън Полък и Анди Уорхол. Те бяха домакински имена. Хората понякога се
подреждаха по блокове, за да видят изложби на своите произведения. Богатите и бедните,
смирените и известните обожаваха работата си.
Хора като Хенри Джеймс, Фредерик Шопен и Чарлз Дикенс идеализираха тези академични
майстори. Възможно ли е такива мъже, за които всички сме съгласни, да са извън съмнение,
че великите артистични гении са имали толкова лош вкус, че да обожават изкуството, че
днешните идеолози да ни карат да вярваме, че е толкова лошо?
Бугро е един от главните злодеи в приказките, разказвани от съвременните историци. Ще
особено се отнася до него в тази дискусия, защото той е все по-почитан от хиляди учени,
колекционери, куратори и любителите на изкуството, като един от историята на всички
времена величия, в крайна сметка заслужават да застане рамо до рамо с Леонардо ,
Караваджо и Рембранд .
Но
както Рембранд беше изпаднал в почти забрава в продължение на повече от
100 години след смъртта си, така и това трябваше да бъде съдбата на
Бугро. Една от най-известните
истории за Рембранд се отнася до неговата живопис Нощна стража“ . След смъртта му
никой не го искаше. Накрая гимназия се съгласи да го окачи на задната им стена, ако
горното стъпало на картината ще бъде отрязано, за да се побере. Днес този художествен
шедьовър е известен само в осакатен вид.
Преобладаващото предимство на изкуството от 19-те -ти век в Европа и в Америка е
описано като академично. Този термин се използва като пренебрежителен или
пренебрежителен като дребен и невдъхновен. В действителност обаче Academic по-точно
означава отдаденост на стандартите за върхови постижения както в обучението, така и в
художественото изпълнение, и отдаденост на ученето с голяма дисциплина и всеотдайност,
на методите, разработките и пробивите от предишните поколения. Идеята е да надграждаме
миналите постижения на изкуството, докато вървим в бъдещето, като познаваме
задълбочено тези постижения от миналото. Това е истинското значение на академичното.
Тези художници се обучавали в ателиета. Какво беше ателие? За тези от вас, които не знаят:
приет майстор, който сам е бил обучен от предходен майстор, би избрал 6 или 8 високо
талантливи млади начинаещи художници, които биха се преместили при него като чираци.
Те щяха да се обучават в дълбочина с него и буквално да ядат, пият, спят и дишат изкуство
24 часа в денонощието 7 дни в седмицата. През първите 6 месеца от обучението си те не
биха правили нищо друго, освен да копират стари майсторски рисунки, тъй като рисуването
се смяташе за гръбнака на всички постижения в изкуството.
След това теглиха изследвания от гипсови отливки, за да се научат да моделират, и след това
прекараха поне още една година, рисувайки от живи модели. Едва тогава им беше
позволено при овладяването на занаята да рисуват, да вземат четка и да започнат да учат
занаята по рисуване. Тогава евентуално след 5 или 6 години обучение те биха могли да
започнат да създават произведения на изкуството, които биха могли да се считат за наистина
професионални. Достатъчно е да се каже, че методите на ателието, започнали през ранния
Ренесанс в гилдиите и ателиетата на Джото и Рогир Ван дер Вайден , предават знания от
поколение на поколение. Някои от тези ученици са станали майстори сами по себе си,
добавяйки към това знание и след това преподавайки още едно поколение. През 19 -тиВек
тази концепция набира допълнителна скорост, отразяваща ускоряването на обучението във
всяка друга област на човешкото начинание. Индустриалната революция кодифицира вярата
във все по-бърз темп на разширяване на напредъка. Това най-ясно се прояви и в изкуството
на живописта и скулптурата.
Резултатът е, че през 19 -ти век е имало експлозия на художествена дейност, ненадмината
през цялата предишна история. Хиляди правилно обучени ателиета художниците
разработиха безброй нови техники и изследваха безброй нови теми и перспективи, които
никога преди не бяха разглеждани. Те обхващаха почти всички аспекти на човешката
дейност. Той включваше градския живот, селския живот, религиозната живопис,
литературната живопис, отношенията между приятели, семейния живот и любовниците,
тежкото положение на унизените и злоупотребите в обществото, фалшивата помпозност на
висшето общество и свещениците, които лицемерно живеят в скута на разкош и лукс.
Имаше красота сама по себе си в английското движение „Естетика“, във френското и
немското романтично движение, както и в цялостно и всеобхватно изследване на
литературата и фантазиите, надеждите и мечтите на човечеството.
Тези академични художници са по-точно описани като „хуманисти“. Докато четете, запазете
мислите си относно термина Хуманност или Хуманизъм. Това е може би най-главният
същностната характеристика на изкуството на 19 -ти век. Това е най-очевидната концепция,
която го отличава от по-голямата част от настоящото изкуство, празнувано от 20 -ти век,
което по-точно се разбира като екзистенциално, разрушително и нихилистично. Така че, ако
улеснява категоризирането на тези художници, предлагам като подходящ описателен термин
Традиционен хуманизъм. Искам да ви дам преглед на видовете и стиловете на рисуване,
които са били популярни през 19 -ти век, след това накратко проучете причините за неговия
безцеремонен упадък в почти забрава до края на 70-те години. Тогава ще ви обясня
причините, поради които преоценката на реализма от 19 -ти век започна в края на 70-те и
началото на 80-те години, а сега през последните десет години най-накрая достигна
критична маса - точка на титруване, при която бързо се превръща в приливна вълна,
експлодираща върху съзнанието на света на изкуството.
Защо някои от тези художници бяха считани за най-великите в историята в собствения си
живот, защо отпаднаха от благодатта и защо отново украсяват стените на повечето от най-
престижните музеи в света?
Всъщност само през последните две години имаше голяма ретроспекция на произведенията
на сър Лорънс Алма-Тадема в музея на Ван Гог в Амстердам. Имаше изложба на лорд
Фредерик Лейтън , президент на Кралската академия в продължение на 20 години от 1875
до 1895 г. в Кралската академия в Лондон. През лятото на 1998 г. имаше голяма
ретроспекция на творбите на Едуард Коли Бърн-Джоунс в Метрополитън музея в Ню Йорк,
в която те го приветстваха като един от трите най-велики британски художници от 19 -ти
век заедно с Търнър и Констебъл . Също така през 1998 г. имаше изложба с участието на
всички най-велики британски художници от миналия век в Националната галерия във
Вашингтон, наречена „Викторианците“ , с „Дамата от Шалот“ на Уотърхаус на корицата на
каталога.
В момента през зимата и пролетта на 2000 г. има изложба на жени художници от
Академията Жулиен в Париж, която започна в музея Кларк в Уилямстаун, Масачузетс и
пътува до май 2000 г. до Дахеш в Манхатън и Диксън в Мемфис през Септември, наречен
Преодоляване на всички препятствия . Никой от тези художници не може да бъде намерен
никъде преди 25 години. Сега те са навсякъде.
Какво стана? Какво би могло да се случи да накара едно художествено наследство и
традиция след 500 години да паднат толкова ниско в погледа на света?
Три неща обясняват половината от нея: Първата световна война, Втората световна война и
Голямата депресия. Какви ужасни катастрофи държаха света в плен през първата половина
на 20 -ти век? Какви неизразими жестокости и трагедии са причинили смъртта на десетки
милиони хора от нужда и война? Някой беше виновен! Някой трябваше да бъде обвинен.
Това не би могло просто да бъде написано от съдбите. Бог не би могъл да иска човечеството
да страда така.
Ясният, очевиден и лесен изкупителна жертва за всички, които се объркаха, беше просто
"Старият ред".
Не само лидерите бяха виновни. Цялото последно поколение беше виновно. Сега това
изглежда доста абсурдно всеобхватно приписване на виновност. И с тях всичко, което
вярваха и уважаваха, беше оспорено, дискредитирано и осквернено. Художниците, които те
обичаха, бяха изтласкани като техните лакеи и поддръжници и тяхното изкуство беше
унижено по всякакъв начин от всеки възможен формат. Хората спряха дори гледат
изкуството на тези големи Традиционните Хуманистите на 19 -ти век. Просто трябваше да е
лошо. В края на краищата, вижте кой го е подкрепил; стария ред! Никакъв опит в
продължение на десетилетия никога не е даван да се гледа с не жълтено око какво правят,
казват и постигат тези художници.
Позволете ми да заявя възможно най-категорично, че учебниците по история на изкуството
от средата на този век не са пълни с нищо друго, освен изкривявания,Тогава другата
критична причина беше разглеждането на мощни икономически причини дилърите да
отстояват от сърце тази нова модернистична етика. Ако бяхте Алма-Тадема или Бугро
дилър, имахте списък със сто клиенти, които искат да закупят тяхната работа. Но тяхната
техника им позволяваше да рисуват само по едно платно на всеки 3 до 8 седмици, така че
стояхте и гризете ноктите си в очакване на всяко платно, за което знаехте, че е продадено
много преди да бъде завършено. Модернистите обаче често биха могли да завършат по едно
платно
всеки ден. Някои направиха дори повече от това. Това със сигурност беше
вярно с всички най-големи имена. Независимо дали говорим за Пикасо,
Модриан, Матис или де
Кунинг. Много от техните творби могат да бъдат завършени за няколко дни или няколко
часа. Сега техните дилъри разполагаха с огромно предлагане, за да отговорят на каквото и
да е търсене. Те имаха висока мотивация да докажат, че тези картини са не само толкова
ценни, колкото картините от предишното поколение, но че са дори по-добри.
От всичко това се направи невероятно богатство. Невероятно богатство все още е изложено
на риск в тези произведения.
Ще се занимая с обяснението на промените, настъпили в приемането на тази епоха по два
начина. Първо, ще разгледам митовете, които са били увековечени за тази епоха,
използвайки Бугро като най-добрия конкретен пример, тъй като в края на краищата той е
бил най-опороченият от модернизма. След това, второ, ще изследвам с вас философските
основи на модернизма, които са подложени на все по-голяма критика и анализ, тъй като са
оголени в ослепителната светлина на рационалния контрол. Един от най-великите от тези
митове беше твърдението, че Бугро и колегите му не са свързани с времето им; че са
копирали стиловете от по-ранни времена. Този аргумент е без частица истина. Бугро е роден
през 1825 г., малко след Американската и Френската революция. Тези сътресения са най-
осезаемите резултати от новите идеи, породени от Просвещението, докато по-ранните
векове са били контролирани от идеите за примата на религията и монарсите, управляващи
от „божественото право“. Основни писания проведоха деня, произведения като тези на
Джон Лок„Правата на човека“ , „ Левиатанът “ на Томас Хобс и „ Демокрацията в Алексис
де Токвил в Америка“ . В предишните пъти сме имали велики религиозни картини на 15 -ти
, 16 -ти и 17 -ти век, картини на аристокрацията и благородството, както и важни
исторически сцени по време на 18-ти век. полуистини и външни и външни лъжи в
описанието им за тази епоха. Те не са успели в своята отговорност като историци да
съобщят истината за случилото се възможно най-обективно. Тези текстове са не по-малко от
пропагандни брошури за съвременно изкуство.
С новите демократични философии се появи ново възходящо уважение към цялото
човечество. „ Liberté, Fraternité, Egalité “, извикаха французите; и американците, "Ние
считаме тези истини за очевидни, че всички хора са създадени равни; че те са надарени от
своя създател с определени неотменими права, права на живот, свобода и стремеж към
щастие." Тези думи обобщават перфектно новите философски и културни постижения на
западната цивилизация, настъпили в края на 18-ти век и които са били популяризирани и
кодифицирани през 19 -ти . Както Америка, така и Франция бяха на върха на променящия се
западен свят. Не случайно едни от най-великите произведения на изкуството от 19 -ти век
идва от тези две общества. И с тези променящи се идеи, изкуството също се промени,
генерирайки много нови групи и стилове. Имаше реалисти, които показаха благородството
на обикновения човек, който се напряга под игото на тежък живот. Опитаха се да покажат
селския живот, какъвто всъщност беше.
След това бяха идеалистите и романтиците, които празнуваха цялото човечество в
съответствие с демократичните принципи и зачитането на човешките права и достойнство.
Бугро несъмнено беше най-великият от тази група. В голяма част от работата си той
използва селяни и цигани за своя предмет. Колко подходящо е да изберем най-ниското
общество, за да издигнем цялото човечество до най-високото, защото ако можем да оценим
стойността на селяните и циганите, тогава със сигурност цялото човечество трябва да бъде
ценно.
Освен това викторианската епоха чрез свободата на печата и художниците и писателите от
онова време доведе до общественото мнение тежкото положение на потиснатите. Те
излъчиха ясна светлина върху несправедливото отношение към жените, децата и
малцинствата - повечето от които бяха наследени от предишни поколения и предишни
векове.
Вместо да изхвърля викторианците, човек може също толкова лесно да ги отдаде на кредит
и тяхната ера, като задейства всички обществени промени, довели до премахването на
повечето от тези несправедливости.
Викторианските художници като Waterhouse , Burne-Jones и Bouguereau обичаха и се
възхищаваха на жените. Неслучайно правата на жените бяха защитени открито за първи път
през тази ера и постепенно през следващите 100 години, за да бъдат почти изравнени (за
първи път в историята) с тези на мъжете. Луис Сонолет, пише в изданието на Masters in Art
от октомври 1907 г. "Поредица от илюстрирани монографии", страница 28:
Първата съпруга на Бугро е французойка, която умира рано в брачния си живот. През 1896 г.
той се жени за мис Елизабет Гарднър от Ексетър, Ню Хемпшир, художник с признати
способности, който е бил един от неговите ученици в художествените училища в Джулиан.
Благодарение на усилията на Бугро, който самият е повлиян от своята американска
годеница, както ателиетата на Джулиан, така и École des Beaux-Arts нарушават досегашните
си чугунени разпоредби и допускат жени като студентки в своите класове.
Бугро също празнува културата и литературата на човечеството в своите картини, както се
вижда в неговите митологични сцени на нимфи, амури, сатири и сцените му от Библията.
Тези изцяло оригинални композиции се обработват с емоционална сила, която няма аналог.
Бичуването и първият траур (Адам и Ева скърбят за смъртта на Авел) са непрекъснати
шедьоври от този тип, с фигури, рисувани толкова реалистично, че усещате, че гледате през
прозорец на събитие, замръзнало във времето. Човек може да усети как кръвта се влива във
вените им и живота в очите им, постижения, за които нито една дума не може да оправдае.
Дори отвъд това, той улови самите души и духове на своите поданици. Те оживяват, както
никой предишен художник не е постигал преди или оттогава. Той не просто рисува плътта
им по-добре; той улови най-фините нежни нюанси на личността и настроението. Не
използваше преки пътища.
Всяка композиция е невероятно оригинална с перспективи и ракурси и преплитане на
фигури, по-сложни и успешни от който и да е друг художник от своето време. Картините му
никога не се чувстват заети. Никога няма излишни елементи, разхвърляни наоколо.
Озеленяването е направено достатъчно, за да фокусира вниманието на зрителя върху
фигурата. Той майсторски събра елементите на изящна рисунка, невероятно оцветяване,
перспектива, брилянтно моделиране и композиция, всички работещи заедно в хармония.
Всички елементи засилват емоционалната насоченост на всяка творба. За да постигне това,
той разработи свои собствени идиосинкратични техники, като често създава нови методи на
място за решаване на непосредствен проблем.
Целта на художника беше да покаже човечеството възможно най-красиво реално и идеално,
насърчавайки всички да се стремят към такива идеали. Посланието е, че макар човечеството
да не е съвършено, животът все пак може да е добър. Имплицитно е моралният императив,
че всички хора са достойни за любов и уважение. Така че не само беше невярно, че Бугро ,
Бърн-Джоунс , Алма-Тадема а братята им бяха без значение; беше точно обратното. Той и
другите академични художници бяха на върха на промените, настъпващи в западната
цивилизация, като твърдяха, че всеки човек е уникален и ценен. Само общество като това би
могло да генерира хора, на които дори би било позволено да дриблират боя върху платно и
да го наричат произведение на изкуството. Сто години по-рано някой, който се опитва да
направи това, вероятно би бил хвърлен в институция или по-лошо. Трябва да осъзнаем, че
модерното изкуство никога не би могло да съществува, освен на гърба на предшестващото
го хуманистично изкуство. Човек не може да не бъде поражен от иронията, че главните
благодетели на тези „освободени“ и „просветени“ художници са техните главни
недоброжелатели. Ножът на неблагодарността прорязва дълбоко.
Следващият мит, утвърден за Бугро от неговите критици, е, че той рисува само за буржоа, за
да забогатее.
Нека разсеем това веднъж завинаги. Той се гордееше, че никога не е трябвало да взема
комисионни. Той рисува това, което обича и вярва, като често работи по 16 часа на ден,
седем
дни в седмицата, подобно на Микеланджело . Славата му стана толкова
голяма, че дилърът му Гупил успя да начисли 10 000 долара за едно платно
(еквивалентно на над 300
000 долара днес). Най- буржоа не би могъл да купи картините му, и те са били с нетърпение
придобити от заможните Mellons, Рокфелер Вандербилт и Карнеги. Нека попитам кой е
купувал Матис, Пикасо и Гоген, или Дьо Кунинг, Ротко и Полок? Мелоните, Вандербилтите
и Карнегите, или техните еквиваленти! Не чувам някой да твърди, че тези художници са
рисували само за буржоаза да забогатеят. Със сигурност Пикасо беше далеч по-богат, когато
умря, отколкото Бугро при смъртта му. Рубенс , Гейнсбъро , Чърч , Роден , Баучер , де
Кунинг и Франк Стела са направили или правят значителни суми за своето изкуство. Факт е,
че най-често заможните са тези, които купуват изкуство. Вместо да използва този факт, за
да осъди художниците, той трябва да бъде основата за похвала на хората, които са признали
и помогнали да подкрепят величието. Какво би бил Ренесансът без Лоренцо де Медичи?
Бугро пленява самите души и духове на своите поданици. Те оживяват, както никой
предишен художник не е постигал преди или оттогава.
След това отново трябва да попитаме какво не е наред с това да си част от буржоа ? Тяхното
съществуване повече от всичко помогна за създаването на нашата култура, такава, каквато я
познаваме. Най- буржоа най-вече идват от бедни корени и с право смятат, че те са достойни
за любов и уважение, както благородството пред тях.
Някои от най-добрите примери за творчеството на Бугро са сред най-големите шедьоври в
западното изкуство. Тъй като работата му е била несправедливо очернена, произтичащите
от това ниски цени през по-голямата част от 20 -ти век позволяват на частни колекционери
да придобият или запазят неговите творби, включително някои от най-великите му картини.
През последните 20 години обаче цените му се увеличиха астрономически. Картини, които
биха се продали за 5000 долара през 1970 г., струваха 50 000 долара през 1980 г. и в момента
биха се продали за над един милион. През ноември 1998 г. световният рекорд за Бугро беше
счупен два пъти, като Купидон и Психея бяха продадени за 1 760 000 долара, а Алма
Паренс, алегорична картина на майка Франция, която отглежда децата си, донесе 2 650 000
долара в Sotheby's. Разбира се, цената и качеството не е задължително да вървят ръка за
ръка. Но това е силен индикатор за промяна на Друг мит се отнася до обвинението, че по-
голямата част от работата на тези традиционни хуманисти или академични реалисти е само
дребна сантименталност. Всъщност повечето модернистични критици смятат всеки намек
за положителни човешки емоции за дребна сантименталност. Бих се съгласил, че
необичайната привързаност на възрастен към гимназиален ринг или мажоретни помпони е
дребни чувства. Но какво ще кажете за несравнимата радост на детето, което прави първите
си стъпки? Има ли нещо по-красиво и може ли нещо да е по-подходящо за изкуството? Това
дребна сантименталност ли е? Какво от изобразяването на млад човек s първите моменти на
сексуално осъзнаване, когато детството преминава в зряла възраст? Какво ще кажете за
жестокостта на индустриалния живот в градовете със студените и бездомни опашки за хляб
в зимна нощ? Това беше предмет, който никога преди не беше разглеждан и нямаше да бъде
сметнат за подходящ през по-ранните векове. Разбира се, много академични художници от
този период безуспешно опитваха подобна тема и тя изглеждаше твърде
сантиментализирана. Но във всеки период от историята по-голямата част от свършената
работа беше посредствена. Това не ни пречи да отделим житото от плявата. Така че беше
вярно и през 19 Но във всеки период от историята по-голямата част от свършената работа
беше посредствена. Това не ни пречи да отделим житото от плявата. Така че беше вярно и
през 19 Но във всеки период от историята по-голямата част от свършената работа беше
посредствена. Това не ни пречи да отделим житото от плявата. Така че беше вярно и през
19-ти век. Имаше такива като Бугро и лорд Лейтън, които го направиха с поетичен блясък.
Ако твърдим, че тези произведения са дребна сантименталност, тогава няма ли да се
приложи същата логика за великите ренесансови художници, които са се опитали да уловят
радостите от религиозна екзалтация или прекалено идеализиран героизъм на царете? Или е
имало холандски художници от 17 -ти век, които са рисували твърди благородници или
развълнували селяни в таверни? Караваджо и Джордж де Ла Тур рисуват гадатели и
изневеряват на карти цигани. Това дребно чувство също ли е?възприятията. В случая на
Бугро
неговата работа все още е подценена, когато една и съща година Пикасо
се продава за 48 000 000 долара, Анди Уорхол за 17 000 000 долара и
автопортрет на Ван Гог за 71 000 000
долара.
Друг мит се отнася до обвинението, че по-голямата част от работата на тези традиционни
хуманисти или академични реалисти е само дребна сантименталност. Всъщност повечето
модернистични критици смятат всеки намек за положителни човешки емоции за дребна
сантименталност. Бих се съгласил, че необичайната привързаност на възрастен към
гимназиален ринг или мажоретни помпони е дребни чувства. Но какво ще кажете за
несравнимата радост на детето, което прави първите си стъпки? Има ли нещо по-красиво и
може ли нещо да е по-подходящо за изкуството? Това дребна сантименталност ли е? Какво
от изобразяването на млад човек s първите моменти на сексуално осъзнаване, когато
детството преминава в зряла възраст? Какво ще кажете за жестокостта на индустриалния
живот в градовете със студените и бездомни опашки за хляб в зимна нощ? Това беше
предмет, който никога преди не беше разглеждан и нямаше да бъде сметнат за подходящ
през по-ранните векове. Разбира се, много академични художници от този период
безуспешно опитваха подобна тема и тя изглеждаше твърде сантиментализирана. Но във
всеки период от историята по-голямата част от свършената работа беше посредствена. Това
не ни пречи да отделим житото от плявата. Така че беше вярно и през 19 Но във всеки
период от историята по-голямата част от свършената работа беше посредствена. Това не ни
пречи да отделим житото от плявата. Така че беше вярно и през 19 Но във всеки период от
историята по-голямата част от свършената работа беше посредствена. Това не ни пречи да
отделим житото от плявата. Така че беше вярно и през 19-ти век. Имаше такива като Бугро и
лорд Лейтън, които го направиха с поетичен блясък.
Ако твърдим, че тези произведения са дребна сантименталност, тогава няма ли да се
приложи същата логика за великите ренесансови художници, които са се опитали да уловят
радостите от религиозна екзалтация или прекалено идеализиран героизъм на царете? Или е
имало холандски художници от 17 -ти век, които са рисували твърди благородници или
развълнували селяни в таверни? Караваджо и Джордж де Ла Тур рисуват гадатели и
изневеряват на карти цигани. Това дребно чувство също ли е?
Модернизмът се стреми да възмути, оскърби и оскверни човешките чувства (т.е. чувствата)
и да омаловажава и отхвърля всеки израз на нашето чувство за страст и красота като не
повече от просто чувство и на следващия дъх иска да мислим, че тяхната работа е страстна
и красив. През 1964 г. на Метрополитън музея в Ню Йорк се предлага един от най -големите
шедьоври на пейзажната живопис на Фредерик Църква само за 30 000 долара.
Те отхвърлиха предложението с коментара, че не купуват картички. Той беше отказан
специално поради обжалването му на настроението. Днес Met има десетки такива творби,
които са постоянно изложени в американското крило от 19 -ти век. Всички велики шедьоври
от 19 -ти век, които изобразяват универсални човешки емоции от какъвто и да е вид, се
очерняват и обединяват като единствено привлекателни за дребните човешки чувства. Обаче
не само чувствата бяха отхвърлени като безполезни, но изобразяването на всички човешки
емоции.
вдъхновени и блестящи.
Много добре знам, че нито е нарисуван, нито е нарисуван толкова правилно, колкото Бугро,
и по-скоро съжалявам за това, защото имам искрено желание да бъда коректен.
Винсент ван Гог
След това искам да се спра на мита, че Бугро , Месоние , Кабанел и Жером са спрели
импресионистите да се показват в салоните и да работят в академиите и ателиетата . В
младостта си Моне и Реноар са работили до големия академичен художник Жером в
ателието на Шарл Глейр . Дега е приет и работи успешно в ателието на Hippolyte Flandrin и
Ingres . Едуар Мане работи в ателиетона Томас Кутюр . И във всеки салон от 1873 г. насам винаги имаше показани импресионистични картини. Причината, че през по-ранните години
бяха само няколко, беше, че все още нямаше много художници-импресионисти. В типично
шоу на салона през 1870-те години от 200 художници, може би 10 или 12 са импресионисти.
Също така не беше вярно, че Ван Гог презираше работата на Бугро. Критиците обичат да
посочват едно писмо, където Ван Гог казва, че ще може да продава картините си по-лесно,
ако рисува хубави неща като Бугро. Те винаги удобно пренебрегват поредното писмо, в
което Ван Гог изразява дълбокото си разочарование, че никога няма да може да рисува
толкова добре, колкото Бугро, и още едно: „Много добре знам, че нито е нарисувано, нито е
нарисувано толкова правилно, колкото Бугро, и по-скоро съжалявам за това, защото имам
искрено желание да бъда коректен. Но въпреки че е обречено, уви, да не бъдеш нито
Кабанел, нито Бугро, но се надявам, че ще бъде френски. "
Те могат лесно да бъдат намерени в публикуваните писма на Винсент ван Гог и са
свидетелство от Ван Гог за критичното значение на рисуването.
Освен това винаги съм изумен от модернистичните критици като Джон Ръсел или Хилтън
Крамер от The New York Times . Те ще разгледат музейни изложби на стари майстори като
Рафаел , Караваджо , Тициан или да Винчи , ще се позоват на изящната рисунка, баланса на
композицията, точността на перспективата и моделирането, тънкостта на оцветяването и
след това удобно ще забележат прекалено сантиментализирания обект материя или
прекалено драматизирани жестове. След това същите критици ще погледнат Bouguereau,
Gérôme, Burne-Jones или Alma-Tadema и напълно ще игнорират всички гореспоменати
параметри и с "двойно мислене" точно от 1984 г. на Оруел, не виждайте нищо освен така
наречения сантиментален предмет. Тези критици обичат да казват, че работата на Бугро
наистина е само производна, връщайки се към по-ранни художници. Само през 20 -ти век
такова нещо някога е било презирано. На това имам едно нещо да кажа.
Какво Не Е Наред С Това, Че Сме Производни?
Това е едно от основните вярвания на модернизма, което трябва да бъде здраво победено
чрез очевиден логически анализ. Никой не може да постигне нищо добро, ако всъщност не
е производно. Само чрез овладяване на постиженията от миналото и след това добавяне към
него можем да стигнем още по-далеч. Всяко друго поле на начинание разпознава тази
истина. Без знанието за миналото ние сме обречени на вечен примитивизъм.
И що се отнася до това да държим нашите творби до старите майстори - това е, което
искаме да се случи. Ако искаме да постигнем неща с истински заслуги и върхови
постижения, трябва да покълнем и да възпитаме велики майстори и през следващото
хилядолетие. Бугро беше напълно наясно, че работата му ще бъде сравнена на олтара на
минали постижения, както и неговите съвременници. Именно защото те усвоиха техниките
от миналото, надградиха ги и ги отвориха пред лавина от нова материя и просветителски
идеали, те постигнаха най-големия половин век живопис в историята на изкуството.
Думата "производно" произлиза от думата "извличам" или идва от, а не да копирам. Бугро ,
лорд Лейтън , Алма-Тадема , Жером , Виберт , Бърн-Джоунс и др. Не са копирали
изкуството на по-ранни епохи, но със сигурност произхождат от предишните училища.
Преди тях са разработени много от методите за усвояване на уменията за рисуване,
моделиране, перспектива, композиция, извличане и приготвяне на пигменти, подготовка на
платно, нанасяне на бои и др.
Можете също така да кажете, че Микеланджело е производно на Донатело , чийто Дейвид е
изваян десетилетия преди това. Леонардо и Рафаел са производни на Джото и Рогир ван дер
Вайден . Цялото холандско изкуство от 17 -ти век, изградено върху пробивите на Високия
Ренесанс, което само по себе си произтича от постиженията на ранния ренесанс. Праксител
в древна Гърция със сигурност извлича много техника и знания от онези скулптори, дошли
през вековете преди него.
Всичко, което наистина ни интересува днес, е, че той го направи най-добре. И когато говорим за основните критерии и параметри на академичната традиция, изградена от 14-ти
до 19 -ти век, Бугро , лорд Лейтън и Алма-Тадема са ненадминати.
Можеха ли Бах, Бетовен и Моцарт да сътворят своите шедьоври, ако някой преди не беше
открил везни и кръг от пети? Означава ли това, че тези музикални гиганти също не са били
нищо друго освен производни? Всъщност цялата велика литература съществува поради
съществуването на напреднал език. Този обратен процес на мислене би направил
Достоевски, Балзак, Чекков, Шекспир, сестрите Бронте, Щайнбек, Салингер и Тони
Морисън също производни. Ако се замислите, ще видите, че това са точни аналогии. Няма
нищо вече производно за тези 19 -ти век с традиционна Хуманист-Академик-господари.
Да бъдеш производен е напълно различно от копирането. Самото копиране може да има
стойност, но само за целите на инструкциите. Очевидно копираното произведение не е
оригинално изкуство. Но модернистичните идеолози нежелателно отхвърлиха цялото
реалистично изкуство като „производно“, сякаш това беше същото като копирането.
Не можем с никаква справедливост да разпънем тези Хуманистични Учители на олтара на
модерното изкуство. Съвременната теория на изкуството има съвсем различен и както ще
видим напълно погрешен начин на гледане на изкуството. Искам да отделя секунда тук, за
да стане ясно, че не считам импресионизма като част от модернизма. Той все още беше
здраво заложен в човешките ценности с намерението да създаде произведения с голяма
красота. Модернизмът наистина датира от постимпресионистите напред. С изключение на
Ван Гог, намерението на артистичното усилие е да разшири границите на това, което може
да се нарече изкуство, и да отпразнува нарушаването на стандартите и конвенциите заради
себе си.
Макар да се предполага, че Бугро не е харесвал Реноар и Моне, а Реноар не е харесвал
Бугро, едва ли има обвинение срещу нито едно от произведенията им. Рембранд мразеше
Рубенс, а Микеланджело презираше Леонардо . Това е стара история - геният често е
нетолерантен към друг гений, който е ориентиран малко по-различно. Това обаче каза, че не
е вярно, че Бугро е бил презрян от всички импресионисти. Всъщност на универсалната
експозиция в Париж в навечерието на Нова година на 1900 г. репортер на вестник се
приближи Дега до Моне, които разговаряха заедно, и попита кой според тях най-вероятно
ще бъде считан за най-великия 19тата художник век през 2000 г. След кратък дебат и
двамата се споразумяха за един човек: Уилям Bouguereau.
Но има и друга причина, поради която академичният реализъм или традиционният
хуманизъм се завръща. Това е свързано с широко преоценяване на идеологическите основи
и теоретичната рамка на модернизма и постмодернизма.
Нашият 20 -ти век бележи период, който отбелязва странното и скандалното
само по себе си. Определящият параметър на величието на модернизма е „правено ли е
някога досега“, „напълно ли е оригинално там, където няма произход от някоя бивша школа
по изкуствата“, „възмущава ли“, „разширява ли определението за това, да се нарича
изкуство? Днес ви предлагам, че ако всичко е изкуство, тогава нищо не е изкуство. Ако
наричам маса стол, разширил ли съм определението на думата маса? Това би ли ме
направило брилянтен? Ако наричам шапка риза, разширил ли съм определението за шапка?
Ако наричам пирон чук, разширил ли съм определението на думата пирон? Вече съм гений?
Ако наричам пищящите джанти на автомобила страхотна музика, разширих ли
определението за музика?
Или в действителност съм извършил измама над хората, които са искали да си купят маси,
шапки, пирони и музика и вместо това съм получил столове, ризи, чукове и главоболие.
Модернистите изобщо не са разширили определението за изкуство. Това, което те са
направили, е опит да унищожат изкуството, създали са икони, които представляват това
унищожение и след това са нарекли тези икони нещото, което са унищожили, т.е.
произведения на изкуството. Писоар или празно платно, окачени на стената на музей, са
особено чисти примери за това. Те не са произведения на изкуството, а символи на победата
на хуните, които са ограбили бастионите и форумите на нашата култура. Би било като да се
каже, че Римският форум днес е далеч по-голяма архитектура, отколкото беше, когато
всички сгради и улици бяха непокътнати.
След това знаете онези 5-минутни пози, които са станали толкова популярни в днешните
няколко неприятни урока по рисуване, които се предлагат в повечето университетски
катедри по изкуство? „Петминутното проучване“ трябва да обучи художника да получи
бързото впечатление за фигурата. На учениците се казва, че първият импулс е някак по-свеж
и по-честен. Всъщност това е измислена и изтощителна концепция. Как ученикът може
евентуално да развие усъвършенствани умения за рисуване без продължителни пози, които
да му позволят да търсят и намират грешките си и след това наистина да усъвършенстват
своите методи, чрез които да намерят правилните линии? В подкрепа на тези коментари
нека цитирам Едгар Дега , една от иконите на импресионизма и модернистичната
идеология.
Едгар Дега, цитиран от Айвс Гамел в книгата си „Разговорът на магазина на Едгар Дега“ на
страница 22, казва:
Винаги съм се опитвал да призова колегите си да търсят нови комбинации по пътя на
чертожа, което считам за по-плодотворно от това на цвета. Но те не искаха да ме слушат и
са тръгнали по другия път.
И на други той беше цитиран да казва: "Аз съм колорист с линия."
Тогава Гамел казва,
По времето на Дега придобиването на това задължително умение (рисуване) се приема за
даденост като съществена част от ранното обучение на художника. Когато беше установил
своите форми, той работеше над тях неуморно, докато не им придаде максимално значение.
Дега каза,
Направете рисунка. Започнете отначало. Проследете го. Стартирайте го и го проследете отново. [...] Трябва да правите по една и съща тема десет пъти, сто пъти. В изкуството нищо
не трябва да изглежда случайно дори за миг.
Това би изглеждало в пряко противоречие с твърденията на най-актуалното учение, че
първото непосредствено впечатление за една форма е това, което е най-важно и ценно.
Настоящото преподаване е склонно да казва, че ако трябва да работите по линия, липсва
истина и искреност. Това, което му липсва, е качество и яснота. Само най-талантливите
художници, които са изградили умения за рисуване в продължение на половин живот, са
стигнали до точката, в която са могли да намерят правилната линия от първия опит.
Очевидно Дега категорично не би се съгласил с бързата поза.
Това, което явно най-много го е тревожило, е, че художникът намира правилната линия,
която предава усещането или формата, които е пожелал, а не колко бързо или автоматично
го е постигнал. Това е от решаващо значение, тъй като подкопава мита за съвременното
учение, че жестът трябва да бъде уловен при първия първоначален удар, за да бъде
страхотен. Ако учениците никога не могат да усъвършенстват своите линии, те никога не
могат да усвоят умението да разпознават „правилната“ линия, когато тя бъде намерена.
Страница 23. Дега каза: "След като имам линия, която държа на нея, не я губя отново."
На съвременните художници се казва, че трябва да създадат нещо напълно оригинално. Нищо по отношение на това, което правят, никога не е могло да бъде направено преди по
какъвто и да е начин или форма, иначе те рискуват да бъдат наречени „производни“. Колко
абсурдно.
Те са били индоктринирани с концепцията, че лошо = добро. Всеки параметър, по който
може да се изведе някакъв стандарт за качество и превъзходство, е казал, че е неподходящ,
защото „ограничава свободата на изразяване“.
1
Не може да има история, тъй като тогава трябва да останете в „тесните граници“ на
приказката.
2
Не може да има илюзия, тъй като тогава сте „оковани“ от необходимостта да пресъздадете
усещане за три измерения.
3
Не може да има рисунка , тъй като това може да бъде "ограничаващо"до обекти на хора или
неща, взети от реалния свят.
4
Те искат да премахнат „оковите“ на моделирането, перспективата или предмета от всякакъв
вид.
5
Със сигурност не може да има опит за хармонизиране на горните параметри със състав,
цвят и тоналност , тъй като това би „ограничило“ един да накара всичко да работи заедно.
Напротив, те са пропагандирани от модернизма, като вярват, че само тези произведения,
които нарушават границите, пренебрегват стандартите и не проявяват интерес към умения
или техники, могат да бъдат наистина „оригинални“ или „вдъхновени“.
Всъщност оригиналността на методите има предимство пред всичко останало. Ако нещо е
направено преди или е производно по какъвто и да е начин, направено преди това, то по
този начин губи стойност, пропорционална на тези прилики. В такъв свят „през огледалото“
всеки потенциален „художник“ е поставен в несъстоятелната позиция да се опитва да
създаде изцяло нова форма на изкуство, за да бъде считан за актуален.
Чистата очевидна реалност е, че нищо не може да бъде по-затворническо, обвързващо,
ограничаващо, верижно и окователно от невъзможните ограничения на модернизма и
постмодернизма, които премахват от художника всеки инструмент (включително обучение),
който може да им даде способността създават велики произведения на изкуството. Простата
истина е, че всеки един от нас е способен да мисли за нещо, което никога преди не е
правено. Струва ли си това да се прави и работата на гения?
Например:
1
Бих могъл внимателно (с достатъчно пари) да изровя стара бомбардирана жилищна сграда в
Бронкс и да я транспортирам до специална плоча, построена за нея в Централния парк.
Окачете конструкцията, насочете светлините към нея, дайте й заглавие и с достатъчно
помпозност и обстоятелства измислете двадесет причини, поради които това е чист блясък в
коментара му за вътрешния град.
2
Бих могъл да сваря вътрешностите на няколко различни животни и след това да ги запазя,
като ги вкарам в прозрачна пластмаса. След това бих могъл да ги закача на мобилен
телефон със също запазени части от тялото на трупове и критиците твърдят, че това е най-
великото художествено изявление за ужасите на войната от Герника .
3
Бих могъл да вмъкна в стените, тавана и подовете на малка стая, парчета неонови светлини,
части от счупени машини и двигатели и счупени парчета структурни строителни материали
като тухли, греди и шлакоблокове. Тогава бих могъл да залепя между всичко милиони
пирони, гайки и болтове и да накарам умни писатели и критици да посочат как тази стая
(която може да бъде инсталирана в MoMA или Guggenheim) е типичното твърдение за
ефектите на индустриалната епоха върху човешката психология.
Е, тези три идеи отнеха всички 3 минути да се измислят. БОЖЕ МОЙ! Това трябва да
означава, че съм три гения, превърнати в едно. Защо с този темп бих могъл да измисля по-
брилянтни идеи за модернизма от всички модернистични гении, взети заедно, ако просто
оставях настрана една-две седмици.
Нещото тук, което наистина е интересно, изобщо не е тяхното изкуство, а изявлението,
което прави за природата на нашия вид - че толкова много на пръв поглед интелигентни
хора са били толкова лесно подсмърчани от извиването на езика, извитото, нелогично на
модернистичната реторика . Ясно е, че за много хора е по-важно да се чувстват, че са част от
елитарна група, която е надарена със специалната способност да вижда блясък там, където
повечето хора не виждат нищо и се страхуват да го кажат. Тъй като повечето хора не са
отдадени или образовани в изобразително изкуство, те успешно са сплашили по-голямата
част от човечеството да се отдръпнат в мълчание, чувствайки се глупаво заради
неспособността си да разберат. Успешно овладявайки контрола върху висшите учебни
заведения и големите музеи по света, те успяха да продължат своята художествена
литература под прикритието и силата на своята власт и пълномощия. Обикновеният човек
се отдръпва от вярата в реалността на собствените си сетива в лицето на привидно огромен
брой хора в това „заведение“ от 20 -ти век, които авторитетно диктуват кое е великото
изкуство и какво трябва да виждат.
Модерното и постмодерното изкуство е нихилистично и античовешко. Това очернява
човечеството заедно с нашите надежди, мечти, желания и реалния свят, в който живеем.
Всяко позоваване на някое от тези неща е забранено в канонистичните зали на
модернистичната идеология. Виждаме, че осветените им зали са куха черупка, празно
свободно място, което заключва преданоотдадените им далеч от живота и човечеството,
като същевременно лишава човечеството от достойнството му. В крайна сметка отегчава
огромното мнозинство от своята аудитория, която не може да намери нищо, с което да се
свърже.
Наричан е вълнуващ и „авангарден“, но тъжната истина е, че е невероятно скромна и
монотонна. Независимо дали лепите парчета пластмаса или парчета стъкло, сглобявате
метални остатъци или купища пера. Независимо дали капете малки купчини цветове или
плъзнете мазни неравномерни наклонени черен цвят. Независимо дали съставяте планина
от хартия или обвивате статуята на свободата. Ефектът винаги е един и същ: безсмислен
примитивизъм. Модернизмът е изкуство за изкуството. Той безкрайно задава въпроса ad
douseam: какво е изкуство? Какво е изкуство? Те вярват, че са добри само онези неща, които
разширяват границите на изкуството; всичко останало е лошо. Това е изкуство за
изкуството. Докато цялото велико изкуство в историята е изкуство за живота.
Разбира се, това не е точно първият път, когато идеи, които бяха пълни измами, успяха да
погълнат системите от вярвания на цели култури и цивилизации. В много от онези в
миналото лудостта се налагаше с най-суровите наказания за всеки, който се осмели да се
изкаже.
Поне живеем във време и място, където е възможно да говорим срещу тази
непрекъсната заблуда, извършена срещу най-големия период на художествени
постижения в
историята. Три четвърти от 20 -ти век ще влязат в историята на изкуството като голяма
пустош на лудостта - кошмарен проблясък в дългия път на развитие на човешката логика и
разум, от който ние едва започваме да се събуждаме.
Художниците от 19 -ти век проявяват дълбоко трайно уважение към човечеството и
човешките чувства; уважение към ума, духа и разума ни и любов към красотата, грацията и
истинското съвършенство и постижения. Бугро , лорд Лейтън , Уотърхаус , Бърн-Джоунс и
другите гиганти от 19 -ти век се опита да представи всичко, което е добро и прилично в
нашия вид. Техните постижения са най-важният връх на стотици години човешко изучаване
и развитие в изкуството на живописта. Те са може би най-великите художници, създавани от
историята. Бугро особено отговаря на това описание. Колко подобаващо и тъжно очевидно
е, че той трябва да бъде характеризиран като главен злодей от онези, които биха разрушили,
вместо да строят, които празнуват хаоса и биха лишили художника от всяко умение,
необходимо да изобрази нещо.
Ако някой с интелигентност отдели време, за да разбере напреднала математика и физика,
компютърни науки или биогенетика, има какво да разбере. Ако отделите време, за да
разберете абстрактния експресионизъм, минимализма, цветното поле, поп-арт, оп-арт и т.н.,
ще намерите умна измамна игра, извършена от изтънчена банда експерти по връзки с
обществеността, която е измислила страхотна тактика за спечелване на милиони.
Основната философия е напълно без заслуги и не представлява нищо повече от злоупотреба
с език, която е достатъчно сложна, за да бъде използвана в грешните ръце, за да оправдае
почти всичко. Ако прочетете дискусиите им за това, което прави картината на Ротко, Де
Кунинг или Джаксън Полок страхотна, ще откриете загадка, увита в парадокс и вградена в
затруднение. С циклични каданси на нелогична хаотична мисъл, обикновено вокализирани
от индивиди с цветни атрибути до името си, обикновените слушатели, които нямат
самочувствие в разбирането си за изкуствата и се плашат от неспособността си да разберат,
обикновено кротко отстъпват. Или се защитават, като обявяват, че разбират напълно, за да
могат и те да се чувстват част от помазания. Ефектът от "престижното предложение" никога
не може да се види по-ясно. Много от нас тук са го казвали безброй пъти преди, но
очевидно трябва да се каже още веднъж.
Императорът Няма Дрехи!
Само защото други области на дисциплината са трудни за разбиране от неспециалиста, по
никакъв начин не оправдава неразбираемостта, лудостта и фалшификацията на повечето
съвременни изкуства.
Наистина ли искаме произведенията на Джаксън Полок, Марк Ротко и Вилем де Кунинг да
бъдат представители на най-доброто от това, което човечеството може да произведе? Те са
измама.
И обществеността беше твърде дълго подложена на фарса на модернизма,
който плени и обсади цивилизационните музеи и институции.
Ако сте музикален художник през този век и сте трогнати от нещо в живота си, можете да
напишете трогателна песен за това. Ако сте ужасени от помощни средства, ужасени от
расизма, скандализирани от правителствената корупция, насърчавани от примери за
човешка доброта, развълнувани от красива природа или увлечени от тънкостите на
човешките взаимоотношения, можете да намерите красиви начини да го изразите, при
условие, че владеете среден и душа на поет. Ако наистина сте поет или писател, можете да
намерите безброй средства в рамките на езиковите конвенции, за да изразявате своите
мисли и чувства и дори да се стремите активно да въздействате на тези хора, които ще
прочетат или чуят работата ви. Можете да използвате своето изкуство, за да промените
мислите на хората и дори да промените света.
Но ако сте съвременен или постмодерен художник, всички възможни методи за изразяване
на тези чувства и идеи са премахнати. Разказването на истории, рисуването, илюзията,
перспективата, моделирането и хармоничното съчетаване на тези с цвят, тон и дизайн са
забранени
за вас. Нищо от реалния свят или дори мечтите ви не е разрешено. Но в
края на 19 -ти век все по-често се признава, че най-големите художници
не са били привърженици
на стария ред, а са по-подходящи за тях като либерални активисти, както за напредъка на
нашата култура, така и за поправяне на грешките на обществото. Те говориха с нашите
сърца и чувства. Те изразиха: доброто и лошото - красотата на живота и ужасите на войната
- завладяването на любовта и страха от изоставяне - радостите от семейния живот и тежкото
положение на бездомните - екзалтацията на природата и унижението на обществото
изгнаници - опияняващите небесни височини и парените адски огньове. Всички страх,
чувства, постижения, проблеми, история, литература, религия и амбиции на човечеството
бяха плодородна тема за вземане.
Днес ...
Възвръщането на това богато художествено наследство от близко унищожение е
монументална задача, която се опитва от шепа живи художници. През последните 6
десетилетия те и мнозина, които вече са изчезнали, едва, но успешно го защитиха, запазиха
и увековечиха в името на нашите деца и бъдещите поколения.
След десетилетия на подигравки и игнориране, накрая ветровете се промениха. През
последните 20 години се наблюдава огромен обрат във възприятието на историците,
музеите, галериите и колекционерите в отношението им към реализма от 19 -ти век и
едновременно с това към съвременния реализъм. И накрая, през последните десет години
съдбата на тези художници бързо се обърна нагоре и голяма част от тях правят солидни
изживявания, някои резервирани година или две на комисионни.
Алън Банкс , настоящ президент на Американското общество за класически реализъм,
рисува портрета на конгресмена Хамилтън Фиш, Ричард Уитни от Ню Хемпшир рисува
Джон Сунуну, а Джим Чайлдс от Ню Йорк рисува децата на Доналд Тръмп. Стивън Герцен
и Алън Банкс са се появявали на кориците на списание American Artist Magazine и са били
обекти на художествени статии. Нашият собствен Върджил Елиът е удостоен с
художествени статии за техниката в портретния подписсписание. За тях са проведени
множество музейни изложби от брега до брега, както и множество книги и статии, написани
за тях. Десетки са спечелили безброй награди и отличия, където преди 25 години дори не
биха били допуснати до състезанията. А техните произведения са в колекциите на десетки
музеи в цялата страна.
Светът на изкуството се нуждае от жива, процъфтяваща, динамична общност от художници,
които почитат тези 500 години знания и традиции и които помагат да се възстановят
правилните стандарти и строгост в нашите училища по изкуства и институции по
художествено образование. ARC популяризира все по-голям брой „ателиета“, моделирани
по системите от предишни векове, с цел създаване на нови поколения велики изкуства и
художници.
Традиционните и класически реалисти не виждат противоречие в оценяването на
импресионизма и академичното изкуство на един дъх, всъщност няма нищо взаимно
изключващо се в тези два стила. Големите шедьоври на утрешния ден ще дойдат от
изразяването на универсални теми или съвременни теми чрез смесване на
импресионистични техники със солидна основа в рисуването, моделирането, композицията
и перспективата; правилната комбинация, която се определя от художника и нуждите на
конкретния обект, който се лекува.
В крайна сметка историята ще видим тези хора на изкуството като незаменим връзката
между 19 -ти и 21 -ви век. Те смело плуваха срещу прилива и с голяма привилегия бях
помолен да помогна да върна тази съществена културна промяна обратно към здравия разум
и напред към нови и по-големи нива на човешките художествени постижения.
Моля всички, които са съгласни с важността на нашата мисия, да се присъединят към
Центъра за обновяване на изкуството сега . С активно и нарастващо членство имаме реално
въздействие и наистина правим разлика. За пореден път великото изкуство от живи
майстори трябва да бъде показано в музеи от световна класа, а талантливото дете, вместо да
му се дава някакво косо предупреждение да отиде и "направи своето", вместо това трябва да
може да намери обучени, знаещи и опитни специалисти училища и университети, от които
могат да получат солидна основа, основана на реални знания и обучение.
Фред Рос
Основател и председател на Центъра за обновяване на изкуството, Рос е водещият орган на
Уилям Бугро и съавтор на наскоро публикувания каталог Raisonné Уилям Бугро: Неговият живот и творби .
Няма коментари:
Публикуване на коментар